Feeds:
Posts
Comments

Archive for July, 2011

Cómo Olvidar?

     Hay, en la ciudad de Santiago de los Caballeros, en República Dominicana, un casa con los pilares hechos de arte. En esa casa, hace ya algunos años, entré para formar parte de un grupo de poesía, hoy día desaparecido, llamado “Atrium“. Los coordinadores, un amigo y su amigo. El amigo de mi amigo resultó que escribía muy buena poesía, tocaba la guitarra y cantaba maravillosamente. Tenía una risa encantadora, suave como su voz y su mirada. Su nombre: Waldo Rincón. Ese primer encuentro fue el inicio de una hermosa amistad, que perdura hasta el día de hoy.

     Waldo es oriundo de la ciudad de Puerto Plata. Tiene 27 años, la piel besada por el fuerte sol de la ciudad. Gracias a su Desarrollo Profesional carga un muy merecido Premio Regional de la Juventud bajo el brazo desde 2010. Ama a una mujer y es amado por ella. Es fan de Lionel Messi, y más aún del equipo la selección de fútbol Argentino. Escapa hacia la poesía cada vez que puede, y produce con ellas un colchón para sus noches de insomnio. Se acusa a sí mismo de ser “extremadamente feliz” y, después de compartir un poco con el, dicha afirmación no puede ponerse a duda. Conozcan más sobre Waldo Rincón y su trabajo, en esta breve entrevista!

Libélula RevisBlog. Cuándo comienzas a escribir y por qué?

Waldo Rincón. Empecé a escribir en la universidad. Para esos momentos no creía mucho en la poesía aunque si leía bastante. Un día un amigo me prestó un libro de la biblioteca, una antología de Paul Marie Verlaine; ese fue el detonante que me empujó a querer escribir.

LR. Qué es la poesía para ti?

WR. Un lugar donde puedo ser yo. Un lugar de tranquilidad y autocrítica que me deja levantarme cada mañana y aguantar el 8 a 5.

LR. Cómo ves la Poesía en la República Dominicana?

WR. Encerrada; elitista; caprichosa y moldeada por los gustos de los dinosaurios culturales que sostienen una “hegemonía” literaria en los círculos nacionales. Eso de una lado; del otro lado, joven, aún sin madurar conceptos o ideas claras; marcada por una definida tendencia a personalizar grandes autores y sus vidas, asumirlos como personajes; queriendo ser tendencia como es ahora cada proceso personal, olvidando el valor de las palabras como arte, puro y simple. Ahora es más importante ser importante que ser poeta.

 Igual creo que no todo está perdido, tenemos buenos exponentes locales, con una calidad asombrosa (Rosa Silverio, Frank Báez, Orlando Santos, Argénida Romero, etc.), algunos consagrados, otros en proceso de convertirse en grandes referencias, que son modelo a seguir y aprender para todos nosotros que venimos siguiendo el camino de las palabras y tratar así de emular su trabajo.


LR. Háblales un poco a los lectores de Libélula RevisBlog sobre tu poemario, “Para No Olvidar”.

WR. Es un lugar cálido de mi angustia; un recorrido por las calles de mi ciudad y las horas donde no logro conciliar el sueño, atizado siempre con esa nota de amor que no nos deja nunca, por más difícil que sea cada situación de la vida. Es como todo poemario novel, autobiográfico (Al menos entiendo que cada poeta joven siempre se refleja a sí mismo en su discurso) y tonto, a veces asusta leerlo, porque siempre logro encontrar algo diferente que amo, o que odio.

“Para no olvidar” es un hijo accidentado que hizo puente en mi corazón, un dibujo a crayola del Peter pan que voy guardando en mi.

LR. Eres abogado. Cómo equilibras tu vida profesional con el arte?

WR. Se ha tornado difícil sin siquiera ser abogado: la vida diaria, el cansancio (como consecuencia de la vida), los impedimentos económicos, etc…

Si lo piensa uno como un mal general siempre será así. Todas las generaciones de artistas han padecido de ese mal (aunque yo insisto que las distracciones actuales son mucho mayores y con consecuencias más graves sobre el arte y los que intentan llevarlo consigo) que se le viene con mayor dificultad a uno. A pesar de todo lo dicho, existen momentos personales que  le puedo dedicar a las palabras dentro del día a día;  intentarlo me permite mantenerme cuerdo dentro de este lugar donde siento que no pertenezco.

LR. También eres músico. Cómo logras fundir la poesía y la música?

WR. Las palabras son la fuerza que acompañan a los acordes desde que nacieron, pues si miramos atrás, veremos que la música nace como una respuesta a la necesidad de decir las cosas en una manera más sublime, eso sí, con el poder cada una de existir sin la necesidad de la otra.

En mi caso particular la música trae las palabras, las acompaña las y protege adentro del pecho de toda la simpleza del mi mundo diario. Mi guitarra siempre se hace cómplice de las palabras que amo intensamente aunque en estos días mi ipod lleva ese trabajo a cuestas.

Se logra, es posible fusionarlos de tantas maneras que asusta. Aún no siento que mis canciones suenen como poemas, pero espero lograrlo alguna vez, encontrar la madurez musical para desarrollar ambos lados del juego en una obra que me haga sonreír de satisfacción; lo intento cada día.

LR. Cómo es un día en la vida de Waldo Rincón?

WR. Linda pregunta. No tengo una respuesta totalmente cierta para ella, pero puedo decirte que son intensos, locos, libres y sin cadenas sobre los pies. Trato de que cada deje una marca en la piel, para bien o para mal; no siempre lo logro pero voy ganando la partida.

LR. Algún proyecto nuevo para tener en la mira? 

WR. Sí; pero como te dije algunos días atrás, prefiero guardarlos para que la monotonía y las excusas no los dejen en silencio antes de que puedan siquiera tener voz propia, como suele pasar con lo que mucho se habla y poco se hace.

De su pluma…

Prólogo de una ciudad dormida

Tanta gente dormida
igual no pasa nada,
te subes al camino
prolongas los dedos
enciendes el computador
te sientes poderoso en el silencio;
navegador de los dioses,
kilobits y canciones a la velocidad
de un trago de nostalgia
de los que también se marchan.

Cientos de pronósticos guardados
sobre la economía y la crisis,
miras el calendario que tampoco dice nada
cansado de esperar alarmas,
fechas que se conviertan en puertas
a lugares donde no puedes entrar;
tantas casa dormidas en la cuadra
sin jardineras que cuidar
los mismos perros, sarnosos sin raza
taladran la quietud con sus lamentos
sobre la posición de la luna
y esa caminata insolente de la muerte
por la esquina contraria de la calle,
repulsiva, maloliente pero inalcanzable;
indiferente a sus fauces de redil.

No logro encontrar las cinco entre sábanas
he buscado soluciones, conjuros, excusas
pero todo parece ser inútil ante esto
carezco de fortaleza para rehabilitar
cada letra de este teclado que no duerme
y te subes al camino (Introspección)
y enciendes el computador
y te sientes poderoso en el silencio
y salvas un poema y piensas en publicarlo
y hacer antología, quizás ser recordado
como el mítico poeta del insomnio,
armador de esta selección de palabras rancias.

Tanta gente dormida
igual no pasa nada,
publicas los poemas
entonces,  esperas paciente
el equivocado flujo de visitas
millones de somnolientos
que no te recordarán por este poema;
ya es tiempo de dormir.

Ha muerto un héroe

Los héroes han muerto
cuando descubres el plágio
y te adentras en la tierra
buscando sus casas,
con cojines  de algodón
entretenidos en la sala;

se pierden tantas cosas
cuando un héroe ha muerto,
ya no lees los poemas igual
tus zapatos ya no importan
quisieras regresar
un instánte tan sólo,
hurgarle las aventuras
llenarlo de métrica y son;

te olvidas de mentir
cuando un héroe ha muerto,
sacas tus recuerdos de la caja
y los pones sobre la cama,
y les prendes fuego;
y guardas silencio
como si entonaran el himno.
Jamás lo volverás a escuchar;

Yo era joven y tonto
cuando falleció mi héroe,
lo veía llegar temprano a casa
cansado de imaginar el mundo
desajustarse el traje
y preguntarme por la cena,
porque los héroes son mal pagados
e inciertos;

mi héroe ha muerto,
lo dejé tendido al piso
sin rastros de Kriptonita,
rodeado de las palabras
que le dibujaba sin valentía
a mi amor en la cama.

La Visita (Para un amigo lagarto)

A Harry; Por cada palabra que dejamos atrás…

Un lagarto llegó a casa
se posó sobre los libros
imagino cuantos lugares habrá visto
con esa mirada suave
de cansancio,
siempre atento;
le invité un café
aunque nunca lo bebo.

Hablamos de lugares
fuera de las redes sociales,
no atrapamos moscas
pero intentamos hacer un círculo
donde las palabras
consumieran la sequedad
de la arena y del mar;
logramos cerrar algunas curvas
aunque al final
ganó la lluvia.

Ya lo imaginaba
cauteloso y reservado,
como en las paredes
cuando intento no dormir
y los observo a la espera,
pero ser amigo de un lagarto
puede cortarte la cola,
traerte de bruces al piso
con la simple filosofía
de callarte tus historias;
debes escuchar.

Un amigo lagarto dejó,
atado al espaldar de mi cama
una hoja rayada de palabras
que pensaba eran un poema
frustrado por la estética
del papel donde con sus dedos
(Metamorfosis de los siglos/
cirugía urgente y necesaria)
todavía no lograba mirarse.

Entonces me preguntaba
si en algún momento fui lagarto
atrapado en la arena y en la nada
sin papel (Que ya no uso);
sin palabras;
abstemio al lenguaje
de las manos y la tinta,
con patas delanteras y cola
así como la ausencia
al volvernos a encontrar.

Te digo amigo,
que detrás de esas hojas a la sombra
seguro dejamos inquieto
algunas palabras que no se pueden decir
con esta lengua
y esta manos
y estos dedos
y esta boca
y estos ojos
(Sin cataratas)
en las ideas reprimidas
de un hermano lagarto
que olvidó cómo hablar.

Te vi marcharte lánguido y calmado
con tu sonrisa independiente
de cualquier desastre,
llevando entre los jeans esa cola
que millones de años de evolución
(O meses de cirugía)
no te permiten dejar atrás.

Si les gustó, y quieren conocer más de Waldo Rincón,  puedes leerlo en su blog, Basura Trascendental, y si desean explorar su música, puedes hacerlo en MySpace  y  en SoundCloud!

Read Full Post »

Hollywood ya no es La Fábrica de Sueños. Eso lo sabe todo el cinéfilo. El 90% del cine de calidad y con originalidad, está saliendo de los estudios de cine independiente. A falta de creatividad, y como para mitigar el daño hecho por décadas de malos guiones, actuaciones mediocres y sobresaturación de explosiones, efectos especiales innecesarios y escenas de sexo que caen en lo vulgar, el nuevo milenio en Hollywood se ha caracterizado por hacer “re-makes”, que no es más que tomar alguna película muy buena, o buena, y hacerla de nuevo, incluyendo toda la basura más arriba mencionado.

Las películas del ayer tienen mucho de bueno. Como los productores de Hollywood saben esto, les ha dado por revisar los viejos anales y seleccionar películas viejas que tuvieron éxito cuando fueron salieron a la gran pantalla, tratando con esto de captar nuevas generaciones. Un muy buen ejemplo de esto, es “Clash of The Titans“. Lo Primero a mirar, son los posters de las versiones 1981 y 2010 (pueden hacer “click” en los respectivos años, para ver los trailesr). Mientras el primer poster vende la mitología y la leyenda, el segundo vende violencia y efectos especiales.

Quienes no han tenido la oportunidad de ver la versión original de esta película, debieran de bucarla y verla, porque si no la han visto, en realidad no han podido ver la película. El guión, los efectos y la fílmica de esta película es maravilloso! Las nuevas generaciones que se han perdido de este clásico, y piensan que ver el re-make es lo mismo, están muy equivocados. “La nueva” (como solemos llamarle a los re-makes), es ensordecedora, confusa y hasta cursi y vulgar.

Otras películas que Hollywood se ha dado a la tarea de adquirir para re-hacer en “versión Americana” son las películas Europeas.

Tuve la oportunidad de ver “Let The Right One In” (2008) hace como dos años. Esta película de horror Noruega es excelente, desde la evolución de la historia y el guión, hasta la fílmica y la actuación. No tiene desperdicios. Sin embargo, la copia Estadounidense, “Let Me In” (2010) es una suprema porquería. La vi hace al rededor de dos semanas, y sentí que fue el tiempo más desperdiciado que he pasado frente al televisor, lo cual es ya una redundancia en si. La necesidad de romantizar las situaciones, y la poca adherencia al guión original es notable. Fíjense que su creatividad no les da siquiera para hacer un poster original, que difiera un poco del Noruego (ya que decidieron cambiarle el nombre a la película).

Otra película que se espera en las carteleras de los cines Norteamericanos para finales de este año 2011, es “The Girl With The Dragon Tatto”. Esta película es la primera de una serie de tres películas de producción en Dinamarca. Tuve la oportunidad de verlas las tres hace como un año, y son magníficas. Si les gustan las películas de acción poco fantasiosas, éstas tienen que verlas! “The Girl With The Dragon Tattoo” (2009) es la primera; luego, “The Girl Who Played With Fire” (2009)  y, finalmente, “The Girl Who Kicked The Hornet’s Nest” (2009). En un año, tremendo trío Danés!

Hollywood pretende hacer su propia versión de la primera entrega de esta producción (The Girl With The Dragon Tatto) para lanzarla en Diciembre de 2011 y, como pueden ver por la diferencia de posters, van a “sexualizar” la película lo más que puedan. Me imagino que no tienen confianza en el producto que van a poner en pantalla ya que es difícil competir con las originales, que son excelentes, y los libros (me han dicho) son muy buenos, así que hay que sacarle el dinero a la producción dándole a la gente por el lado del morbo. Imagino que les va a ir muy bien.

En fin, muchos de los re-makes son una porquería. Hay buenos, si, pero muy contados.

Qué piensan ustedes?

Creen que deberían de dejar los filmes originales como están y explorar ideas nuevas, o rehacer los filmes antiguos, pero con mejor calidad que hasta ahora?

Qué piensan del hecho de que el tiempo entre Las Originales y los Re-Makes se está reduciendo a una velocidad vertiginosa?

Opinen, comenten y discutamos juntos!

Read Full Post »

Una mujer poco común dentro de la cotidianidad…

     Arlette Cepeda se levanta cada día y toma su café en las mañanas mientras se fuma un cigarrillo junto a su esposo. Prepara a sus tres hijos para la escuela y luego toma el Ferry desde Staten Island a Nueva York hacia su trabajo. Su risa es contagiosa y melodiosa, como sólo cascabelea la risa de la mujer caribeña. Viéndola, nadie se imaginaría el mar de ideas que bulle bajo su calmada apariencia.

     Esta artista plástica, es un ser maravilloso que hace música, fotografía, pintura y cerámica, entre otras cosas. Ella misma califica su arte como “directo, emotivo y cuestionador”.

    Ha participado en diversas exposiciones colectivas y ganó una mención honorífica en la Bienal de Artes Visuales XXIII del Museo de Arte Moderno de Santo Domingo, RD. Fue maestra de fotografía digital para el Consejo de Artes de Brooklyn, en la Escuelas Pública 111 y en Kingsborough Early  College School e instructora de artes visuales para Children’s Aid Society. Fue Directora Administrativa de CAS/AileyCamp Staten Island y Asistente de Relaciones Públicas de Alvin Ailey American Dance Theater.

     Después de todos los años que tengo de ser su amiga, no puedo sino sentirme afortunada de tener cerca a un ser tan especial. Los invito a conocerla en esta corta entrevista.

Libélula RevisBlog. ¿De dónde vienes? ¿Qué te hace quien eres?

Arlette Cepeda. Nací en Nueva York y me crié en Santiago. Soy hija única de madre soltera. Crecí en una burbuja donde yo era el centro del universo, que lo podía y lo merecía todo. Crecí creyendo ser especial, única, diferente y con una increíble necesidad de expresar mis sentimientos. No hace falta aclara que la burbuja hace tiempo que explotó.  Vengo de una familia matriarcal, de mucho amor y sacrificio. Vengo de un país tercermundista donde se va la luz y se bebe mabí en botellas de refrescos de vidrio. Vengo de la lucha constante de ser mejor. Soy el producto de una madre dedicada completamente a mí y de una abuela protectora y proveedora.  Las caídas y levantadas son las que me han hecho quien soy hoy.  Siempre estuve en contacto con el arte; fue mi compañero de niñez, mi guía como adulta y mi meta en la madurez.

LRB. Háblales a los lectores de Libélula Revisblog sobre las cosas que te apasionan.

AC. Disfruto a plenitud descubrir la magia de algo bien hecho, no importa lo que sea. Me encanta la comida, las flores, el Jazz, la Bosanova, la música independiente (underground) y compartir con amigos.  Me apasiona encontrar los detalles que pasan desapercibidos en las cosas cotidianas, y de alguna manera hacerles justicia y darle la importancia que merecen a través de la fotografía.

La cerámica es lo más relajante para mi. Me encanta el contacto de las manos con el barro, hacer algo de la nada. Lo que siento es comparable a lo que me sucede cuando estoy en el cuarto oscuro con el papel fotográfico, magia.

Pintar es realmente lo que más me llena. La tela y el pincel me permiten vertir mis sentimientos de la manera más física e intensa.

LRB. ¿Qué tipo de trabajo artístico haces y cómo viene el arte a formar parte de tu vida?

AC. Desde muy niña, siempre estuve inclinada a las artes. Estudié teatro, solfeo y tocaba el violín por varios anos. Era una niña muy ocupada! El énfasis en las artes plásticas llegó en la adolescencia cuando empecé a tomar clases de pintura en el Instituto Dominico Americano. En la universidad, tuve la oportunidad de experimentar con diferentes medios.  La fotografía se convirtió en mi medio predilecto, por ser práctica e inmediata, pero también disfruto muchísimo la pintura y la cerámica.

LRB. ¿Qué piensas del trabajo artístico en general, de la generación emergente? Cómo ves el arte actual?

AC. Debo admitir que mi conocimiento del arte actual es limitado, pero por lo que puedo percibir a mi alrededor, hay mucho talento joven con grandes ideas. Sin embargo siento que se apoya demasiado en lo ya creado. Gracias a las tantas herramientas disponibles hoy en día para duplicar y manipular imágenes, me da la impresión de que la ejecución de las ideas es hecha muy a la ligera, Siento que les faltan más proceso, más pulimento al resultado final. Por consecuencia, encuentro que muchos artistas se ven en la necesidad de tener que explicar su obra para poder comunicar la idea generadora de la misma.

LRB. ¿Cómo es estar casada con el artista Homero Herrera-Chez, siendo ambos tan talentosos?

AC. Es fascinante! Admiro su dedicación y versatilidad. Soy la fan número uno de su trabajo y su critica mas severa. Respeto mucho su profesionalidad y consistencia en su trabajo. Ser testigo del proceso creativo de un artista es una experiencia única. Tengo el privilegio de ver nacer obras y ser testigo de como van evolucionando y convirtiéndose en grandes piezas. Hay una retroalimentación durante el proceso creativo de ambos que nos permite ver y hacer ajustes que tal vez no hubiésemos hecho si no estuviéramos juntos.

LRB. Eres madre de tres hijos, esposa y también trabajas. En otras palabras, tienes las manos llenas. ¿Dónde cabe el trabajo artístico dentro de tu día?

AC. La verdad es que ha sido difícil encontrar el espacio para crear, pero creo que sin arte mi vida no tuviera sentido. Los pequeños momentos en los que puedo pensar y crear suceden cuando voy y vengo del trabajo, ya sea en el tren, el ferry, el autobús o caminando por las calles. Y bien tarde en la noches cuando todos duermen y mi queda un poco de energía.

LRB. Cuáles son los retos que enfrenta la mujer como artista en la ciudad de Nueva York y en la sociedad en la que vivimos?

AC. Desde mi punto de vista, los retos son los mismos que enfrentaba hacen unas cuantas décadas, pero a menor escala. Todavía el círculo artístico sigue dominado por lo hombres, Creo que el reconocimiento a su trabajo es el mayor de los retos.

LRB. ¿Qué pretende alcanzar Arlette Cepeda la artista? ¿Qué podemos esperar de tu trabajo en el futuro?

AC. Pienso seguir capturando imágenes y me gustaría tener una exibición de ellas en un futuro cercano. La vida misma marcará los pasos de mi trabajo artístico, ya que siempre ha sido el resultado de mis vivencias. En lo inmediato, mi prioridad es mi familia. El arte siempre estará en mi vida, de eso estoy segura. 

Una muestra del trabajo artístico de Arlette Cepeda

   

Para conocer más del arte de Arlette Cepeda, puedes visitar su Blog,

Arlette’s Perspective

o acceder  su Tienda Online,

donde también podrás conocer el trabajo de su esposo, Homero Herrera-Chez!!

Read Full Post »

Muchos conocemos la canción “Alfonsina y El Mar,” en la voz de nuestra queridísima y ya desaparecida Mercedes Sosa. Lo que muchos no conocemos es a la mujer que inspiró la canción. Esa mujer es Alfonsina Storni. Vamos a conocerla mejor!

Llegas, Alfonsina…

Los Storni llegaron en 1870 a la provincia Argentina de San Juan. No eran una familia pobre, como se dice, sino que tenían negocios prósperos en la zona de Cuyo, entre ellos la compañía ‘Cerveza Los Alpes, de Storni y Cía’.

Alfonso Storni, padre de la poetisa, se reunió con sus hermanos que ya estaban instalados en Argentina, pero en 1880 retornó a Suiza donde se casó con Paolina Martignoni, maestra de escuela, y con quien regresó a San Juan.

Sus primeros dos hijos nacieron en Argentina (María en 1887 y Romeo en 1888). En 1891 Alfonso, que no lograba adaptarse, viajó junto a su esposa al Tesino donde, un año después, nació Alfonsina. Alfonsina Carolina Storni  nació el 22 de mayo de 1892, en la ciudad de Laggagia (Suiza) y emigró, aún siendo niña, con sus padres hacía Argentina.

En 1901 Alfonso se muda con su familia a Rosario (provincia de Santa Fe) e instalan el ‘Café Suizo’, un negocio que ‘sobrevivía’ y en el que Alfonsina, con sólo 10 años, trabajaba de mesera.

Los momentos difíciles se profundizaron con la muerte del padre en 1906. Con una familia numerosa, a Paolina se le hacía cuesta arriba sostener la economía familiar, y Alfonsina, con 14 años, comenzó a trabajar en una fábrica de gorras.

Luego de incursionar casi casualmente en el teatro y emprender una gira de un año por todo el país con la compañía del actor español José Tallaví, la incipiente poetisa decide, en 1909, abandonar las tablas y comienza a estudiar para maestra en la Escuela Normal Mixta de Maestros Rurales, de Coronda (Santa Fe) hasta 1911, cuando se gradúa.

En Rosario se involucra en diversas actividades y comienza a frecuentar los nacientes círculos intelectuales de la ciudad, donde se reúnen escritores y políticos.

En esa época ya escribía, recitaba y se conectaba con dos revistas literarias bastante interesantes: ‘Mundo rosarino’ y ‘Monos y Monadas’. También, según historiadores y biógrafos, en ese tiempo le llegó el amor…

Alejandro Alfonso Storni (1912 – 2009)

Soltera y con sólo 19 años, la poetisa emigró sola a Buenos Aires para criar a Alejandro Alfonso, nacido el 21 de abril de 1912.

Alfonsina tuvo que abrirse paso a comienzos de siglo en ‘la gran ciudad’ y convertirse en madre y padre: al año de nacer su hijo, su pericia para la redacción le valió un empleó en la firma ‘Freixas Hermanos’, una empresa importadora de aceite de oliva, bajo el cargo de ‘corresponsal psicológica’, donde tenía que responder cartas de quejas y consultas de los clientes. Fue en las oficinas de esta empresa que Alfonsina escribió su primer libro de versos.

Alfonsina comienza a ganar espacios en ese ‘mundo de hombres’, y en 1921, ya es conocida como poetisa y se crea para ella una cátedra en el Teatro Municipal Lavardén. Dos años después es profesora de Lectura y declamación en la Escuela Normal de Lenguas Vivas e interviene en la creación de la ‘Sociedad Argentina de Escritores’. Inquieta, curiosa, contestataria, usa la pluma para colaborar con las diferentes revistas y los diarios ‘Crítica’ y ‘La Nación’.

La trayectoria literaria de Alfonsina evolucionó desde el romanticismo hacia la vanguardia y el intimismo sintomático del ‘modernismo’. Su poesía se pasea altiva desde la sumisión hasta la ira, siempre femenina, siempre desafiante… se hunde y se levanta y arrastra en su lectura. Así vivió y así partió.

El 20 de mayo de 1935 la poetisa fue operada de un cáncer de mama que evolucionó sin tregua, y el 25 de octubre de 1938, según relata su biógrafo Carlos Andreola, “ya muy desgastada por la enfermedad”, se arrojó al mar en la playa ‘La Perla’ de Mar del Plata. Ese mismo día garabateó sobre un papel celeste con tinta roja la frase “me arrojo al mar”. Unos días antes, el 22 de octubre, había enviado al diario ‘La Nación’, su último poema ‘Voy a dormir’

De su pluma nos deja…

  • “La inquietud del rosal” 1916,
  • “El dulce diario”, 1918,
  • “Irremediablemente” 1919,
  • “Languidez” 1920,
  • “Ocre” 1925,
  • “Antología poética” 1935

Datos Curiosos Sobre Alfonsina

  • Alfonsina Storni fue actriz, recitadora, maestra, periodista, autora de teatro, pero su obra más importante la realizó como poeta. Fue una fervorosa defensora de los derechos de la mujer y la primera en compartir mesas literarias junto a Horacio Quiroga, José Ingenieros, Arturo Capdevila.
  • Las primeras muestras de su sensibilidad literaria se pueden apreciar en dos narraciones de sucesos inocentes de su niñez:

“Estoy en San Juan, tengo cuatro años, me veo colorada, chatilla y fea. Sentada en el umbral de mi casa, muevo los labios como leyendo un libro que tengo en las manos y espío con el rabo del ojo el efecto que causa en el transeúnte. Unos primos me avergüenzan gritándome que tengo el libro al revés y corro a llorar detrás de la puerta”.

“A los doce años escribo mi primer verso. Es de noche; mis familiares ausentes. Hablo en él de cementerios, de mi muerte. Lo doblo cuidadosamente y lo dejo debajo del velador, para que mi madre lo lea antes de acostarse. El resultado es esencialmente doloroso; a la mañana siguiente, tras una contestación mía levantisca, unos coscorrones frenéticos pretenden enseñarme que la vida es dulce. Desde entonces, los bolsillos de mis delantales, los corpiños de mis enaguas, están llenos de papeluchos borroneados que se me van muriendo como migas de pan”.

  • En la bodega del Café Tortoni funcionó La Peña, inaugurada en mayo de 1926, que fomentó la protección de las artes y las letras hasta su desaparición, en 1943, y que entre los asistentes se encontraban Alfonsina Storni, Baldomero Fernández Moreno, Juana de Ibarbourou, Arturo Rubinstein, Ricardo Viñes, Roberto Arlt, José Ortega y Gasset, Jorge Luis Borges, Molina Campos y Benito Quinquela Martín
  • El banner de Libélula RevisBlog muestra una foto en la parte derecha del computador, que no es más que una imagen del poema “Voy a dormir” de Alfonsina Storni.

Esta grabación está en debate de si es o no su voz verdaderamente. El caso es que mi amiga Argénida Romero me lo pasó y está maravilloso! Disfrútenlo!

 

Qué les parece? Espero hayan aprendido tanto sobre esta gran mujer, como yo lo hice al realizar esta mini-investigación. 

A qué autor les gustaría ver en el próximo

“CONOCE AL AUTOR”??? 

Read Full Post »

Vámonos a Nogoyá!

     Dicen por ahí que las redes sociales no tienen ningún propósito. Yo me atrevo a diferir, y aquí les traigo la prueba.

      Me encontré con Octavio Aga como una feliz coincidencia del Facebook. Un amigo compartió uno de sus videos, y al aparecer en su Wall, se hizo público en mi News Feed. Me puse a ver el video por pura curiosidad y quedé prendada de la canción, y del cantante. De inmediato me puse a investigar quién era, y bueno… Aquí estamos.

     Octavio Aga resulta ser un joven de 20 años muy amigable y sencillo. Conocerlo a el y a su música es caminar por las calles de Nogoyá, Argentina, y ser humano, y amar, y dejar de amar, y soñar con fuegos artificiales…  Su música logra transportarnos dentro de nuestras propias almas y ver un “yo” que no conocíamos.  Qué mejor modo de comenzar nuestra Segunda Semana en Libélula RevisBlog?

Esta es la canción con que lo conocí! 

LRB. Cuéntales a los lectores de Libélula RevisBlog un poco de tu historia.

Octavio Aga. Antes de nada quiero agradecer por la entrevista y luego contarles un poco de mi vida. Nací en el año 1991 y vivo en un pueblo de Argentina (Entre Ríos),llamado Nogoyá. 

     Soy un apasionado de la música en general. Con esto quiero decir que no encasillo mis ideas en un solo estilo, o estereotipo musical, simplemente divago en la diversidad del universo a través de las canciones, y por supuesto en el mensaje que en el interior me dejan.

LRB. Cómo te inicias en la música?

OA. Todo comenzó desde muy chico. Si mal no recuerdo habré tenido 10 años y ya me gustaba escuchar bandas. Me acuerdo que en ese tiempo salía el primer disco de Gorillaz por el cual hice una apuesta con un compañero de grado para ver cuál de los dos nos quedábamos con el disco. La apuesta no la respeté, ya que era el único que aquí podíamos conseguir. Esa misma tarde después del colegio me fui corriendo desesperado a comprar ese alucinante material. Lo mas gracioso de todo esto es que no tenía reproductor de CD pero eso no me afectaba, sabía que algún lugar podía escucharlo.Creo que desde ahí, y después de haberme influenciado por muchas bandas nacionales también, empieza a interesarme mucho la batería.
   Recuerdo encerrarme en mi habitación con la radio a todo volúmen. Me imaginaba tocando la batería me armaba un estilo de tambores en la cama con los almohadones y deliraba. Luego a los 13 años cumplí mi primer sueño, si así se podría decir, que fue el de tener mi propia batería real.
   Creo que también es importante destacar que nunca aprendí en conservatorios ni en escuelas de música, sino que simplemente tocaba de oído y hasta hoy sigo aprendiendo de bandas y amigos. No quiere decir que nunca halla querido estudiar música sino que no sentía la necesidad de hacerlo, además las clases de guitarra a las  que podía asistir me parecían aburridas.

LRB. Cómo describirías tu propuesta musical?

OA. Simplemente canciones. No sé cómo definir mi propuesta musical. Me gusta sentarme con mi guitarra y expresar lo que siento. Soy un músico totalmente underground y pienso que la música es una forma de terapia. No necesitas ser un experto en el tema para crear y cantar canciones.

LRB. Escuchando tus canciones me doy cuenta de que son muy cotidianas, muy vividas. Qué te inspira? Podrías calificar tu música como vivencial?

OA. Me influye todo: el día, la noche, el atardecer… mi vida en sí. También recibo mucha influencia de mis amigos, porque aparte de hacer canciones como solista formo parte de un proyecto paralelo con el que me siento muy a gusto y cumplo el rol de baterista.
   Aparte de que me identifico con muchas bandas y solistas,también con muchas personas de la vida cotidiana. La primer canción que escribí fue por un persona en especial.
   Si mis canciones son vividas y cotidianas presentando ese tinte de crudeza, es porque escribo lo que sale de mi sin ocultar nada.

LRB. Cómo compones?

OA. Mi forma de componer es espontánea. No es que todos los días me esfuerzo para componer una canción, sino que dejo plasmado todo lo que siento en el momento preciso.
     Le escribo a la vida, al amor, al desamor, a la felicidad, a la tristeza, a los miedos, etc.. Uso mis canciones como una forma de reflejo de lo que soy, y me desahogo a través de las mismas. Me sirven para verme a mi mismo y a mi alrededor.

LRB. Cómo es ser músico indi – emergente en Argentina? 

OA. En realidad no tengo idea de lo que es ser músico indie en Argentina porque no lo he vivido. En estos años no he salido de mi pueblo. He realizado recitales por la zona, y me considero un músico para mí, y para todos los que se identifican con alguna canción mía.
     Me gustaría que el día de mañana pueda irme de aquí y tocar en otros lugares pero no en busca éxito solo me gustaría conocer gente y disfrutar de lo que hago.

LRB. Háblanos de tu disco, “No Hay Recuerdo Hoy”. Cómo nace? Cuál es el proceso que sigues dentro de la creación del mismo?

OA.  “No Hay Recuerdo Hoy” es mi disco debut, conformado por 6 canciones, que fueron las primeras que hice. Fue grabado el año pasado de forma muy precaria, con una compu en mi habitación, acompañado de mi querido tío y amigo Sergio Alasino. Gracias a él, me empecé a escuchar a mí mismo.
     Lo hicimos de forma independiente y su sonido es de baja calidad. Bueno el disco es muy invernal y se nota de forma directa cuando lo escuchas. La opinión de algunas personas fue que les pareció demasiado triste y yo les respondí que la canción es un canto a la vida, ya sea triste o alegre y al final después que lo escucharon un tiempo, ellos mismo me dijeron que les parecía buenísimo!  (Ríe) 
     También el año pasado en septiembre grabé nuevas canciones a las que llame Maquetas. Lo hicimos con Sergio, y lo grabamos de la misma forma que el anterior. Estas canciones las grabe para registrarlas, y el día de mañana grabarlas con un mejor audio.

LRB. Hay algún proyecto a futuro que quieras comentarnos?

OA. Si, pienso grabar nuevas canciones para el próximo disco que se viene, éste si va a tener mejor producción y sonido.
     Además con mi proyecto paralelo: Las Bolsacas de Oblonof Kohara estamos hoy en pleno proceso como banda grabando nuestro primer EP y muy conforme con los resultados que nos ha dado… Tenemos pensado difundir el material que estamos ya por terminar y tocarlo lo mas que podamos, pero fuera de este pueblo, ya que aquí no hay muchas oportunidades para la música y para el arte en sí.
     La banda somos Oblinof Kohara, en voz y guitarra; Sergio Alasino en guitarras, y este servidor en batería y coros. Tenemos discos por separados porque venimos de proyectos solistas los 3, y eso es algo que también nos junto aparte de amistad.
     Les dejo uno de los  discos de Oblinof kohara ya que me gusta mucho y me identifico mucho con sus canciones: Los tiempos primaverales de la estación encanto Y uno de los discos de Sergio, Gusano, que es también muy recomendable.

LRB. Qué más nos quieres decir?

OA. Quiero agradecer mucho a Libélula RevisBlog. Me sentí muy a gusto con la entrevista!!  

Si estás en Facebook, Octavio Aga quiere conocerte!

Agrégalo como amigo!

Read Full Post »

Older Posts »